El desarrollo hacia el ámbito del negocio digital afecta la industria de la música de muchas maneras. Hay impactos mayores en otros aspectos, por ejemplo en el mercadeo, distribución y el manejo de la comunidad. Pero, estoy de acuerdo con que el aspecto más importante es el “desarrollo del producto”.
Por “desarrollo del producto” me referimos al trabajo que realizan los A&R (artist & repertoire) de sellos disqueros, y mucho más allá, los esfuerzos del propio artista para desarrollar no sólo su música, sino su marca en todo el contexto. Hoy en día, la música no es suficiente y se tiene que considerar el aspecto visual de la música.
Este artículo consiste de 5 pasos sobre cómo empezar a pensar que tu música es una marca. Yo mismo, trabajé como un artista firmado por EMI/Virgin a inicios del año 2000, por lo tanto baso esta lista en mi experiencia y ensayos científicos que escribí mientras estudiaba “Administración artística” en “London South Bank University”.
1. La audiencia está más fragmentada que nunca
Los análisis de negocios usualmente enlazan a los artistas y audiencias como transacciones de dinero e ignoran las relaciones sociales, enfocándose en el consumismo mas que en la recepción. Hazte a ti mismo un favor y comprende que las conexiones de comunicación pulen el concepto tradicional de audiencia. La comunicación de medios masivos está menos orientada a las masas que antes.
Por lo tanto, para sobresalir entre los aún más fragmentados fans de tu música, la única manera es crear para ellos un mensaje simple de entender. Esa es tu marca… y claro, simple no significa tonto en este contexto.
2. La gente consume marcas que son ellos mismos
En el mundo postmoderno, las personas tienen opciones en abundancia y por lo tanto comparan constantemente el significado de una marca. Estos significados representan tu valor hacia el público. Más preciso, el valor emocional, porque la música llena las necesidades emocionales humanas.
La “opción gratis”, que creemos tener, es en realidad una opción entre diversos significantes sociales. Las personas consumen productos que representen lo que son.
Los oyentes no consumen tu música, ellos consumen tu marca. Y durante este proceso, tu marca moldea sus identidades.
3. La lealtad emocional es una fuente de poder ilimitado
Como la gente consume música que representa su personalidad, están dispuestos a ver que esa música gane más atención. Por lo que tu marca debe tener un mensaje importante, para que tus fans soporten amarrarse a él.
Piensa en cuánto poder tienen las bandas con la misión de cambiar algo. Piensa en todos los fans leales que puedes ganar si tu música y marca abogan por algo importante.
4. Amarra esta identidad en todo lo que tu música conecte
Y quiero decir TODO. Aquí una lista simplificada:
- Ritmos
- Coros
- Líricas
- Videos
- Marketing web
- Imágenes y artes de carátulas
- Canales de distribución
- Colaboraciones
- Vestuarios
- Shows en vivo
- Aplicaciones móviles
Crea un símbolo y un mensaje corto que te represente. Crea un significado más profundo para ese mensaje e intenta convertir el mundo en un mejor lugar. Aunque sólo sea un poco. Con estos pasos, garantizo que la gente te recordará mucho mejor.
5. La música sí importa
Aunque la marca es muy importante, la música es aún suprema. Es como el desarrollo de un producto. Primero asegúrate de que tu música es buena. No empieces a implementar estas ideas de “branding” antes de eso. Si no, la personas acabarán emocionados por un gran significador: un artista con un gran mensaje, que al final es solo una concha hueca sin buena música que ofrecer.
- Teppo Hudson
